À l’approche de la Semaine de la Couture à Paris, Rahul Mishra explique en quoi le patrimoine, l’artisanat, l’emploi et le développement durable relèvent de la responsabilité d’un créateur.
Rahul Mishra se considère comme un conteur persuasif, estimant que ses mots ont un effet similaire à celui du sermon d’un chef religieux. “Si j’ai la chair de poule en regardant une fleur, il vaut mieux que tous les autres l’aient aussi après que j’ai fini de décrire sa beauté“, déclare le designer de New Delhi à propos de l’inspiration qu’il donne à son équipe. “Si je pleure, ils doivent aussi pleurer avec moi.”
Mishra considère son travail comme plus qu’un simple emploi : il estime qu’il a le devoir de transmettre la beauté, de traduire son inspiration et, en fin de compte, de partager sa vision. “C’est ce que je fais et je m’y consacre pleinement. Si je parviens à convaincre ceux qui n’ont pas vu sa beauté [qu’elle est belle]“, explique le créateur en faisant référence à cette même fleur, “alors ils se sentiront inspirés et contribueront davantage“. Et tout le monde, des artisans aux employés de bureau, contribue et donne son avis. Après une Semaine de la Couture à Paris très réussie en janvier, au cours de laquelle il a présenté sa collection printemps-été 2023, Cosmos, et quelques mois bien remplis à habiller des célébrités pour des événements majeurs, il était sur le point de commencer à travailler sur sa collection de couture automne-hiver 2023.
En 2020, Mishra est devenu le premier créateur indien à participer à la Semaine de la Couture à Paris. Depuis, ses collections de couture ont séduit à la fois les initiés de la mode et le grand public ; en particulier sa collection automne 2022, Tree of Life, et la récente Cosmos. Il ne considère pas ces opportunités comme acquises et fait tout ce qui est en son pouvoir pour tirer le meilleur parti du temps dont il dispose pour envoûter son public. “Lorsque vous présentez quelque chose pendant dix minutes, ce sont vos dix minutes, et vous voulez que les gens oublient tout, apprécient ce que vous faites et se perdent dans votre travail“. Il compare l’expérience d’un défilé de mode à la Semaine de la Couture de Paris à “l’adoration du temple de la couture” ; il fait souvent des allusions spirituelles similaires lorsqu’il décrit son approche créative. Ces dernières années, le créateur s’est certainement imposé plus fortement : parmi les exemples notables de cette reconnaissance, citons l’actrice américaine Zendaya portant un sari bleu nuit lors de l’inauguration du Nita Mukesh Ambani Cultural Centre (NMACC) en avril à Mumbai ; le costume de scène volumineux de Bjork pour son concert australien en mars de cette année ; et la pièce dramatique noir et or portée par Michelle Yeoh sur la couverture du Vogue Chine d’octobre 2022. En 2021, ses pièces de couture ont fait la couverture de plus de 20 magazines rien qu’en Chine continentale.
Ses créations surréalistes, d’un autre monde, tactiles, qui “sont faites avec beaucoup d’amour et d’âme”, sont imprégnées d’une qualité onirique. Leur impact visuel suscite l’émerveillement et l’admiration, et reflète la puissance de la collaboration nécessaire à la réalisation de la vision de Mishra. Pour le créateur, il s’agit avant tout de visualiser des rêves. “Vous rêvez, vous pensez au concept qui vous tient à cœur, vous diffusez ensuite ce message et finalement tout le monde commence à y croire et s’unit pour le créer. Le brodeur, le tailleur, tout le monde devrait en faire partie – c’est un rêve collectif.“
L’un des objectifs à long terme de Mishra, dont il parle souvent depuis qu’il a cofondé sa propre marque avec sa femme Divya Mishra en 2013, est d’employer un jour un million de personnes. En décembre 2021, il a acheté une usine de 50 000 mètres carrés à Noida, une ville largement considérée comme une banlieue de New Delhi, où travaillent 300 de ses quelque 1 000 employés. La plupart des autres artisans travaillent dans leurs propres villages. L’entreprise emploie 700 à 900 artisans dans des centres de broderie situés dans six ou sept villages du pays, dont le principal est Baudhpur, au Bengale occidental, dirigé par Afzal Zariwala, un maître artisan.
Avec cet objectif ambitieux, Mishra s’efforce également de préserver les traditions et les compétences artisanales pour les futurs artisans. “Moins d’un pour cent des artisans indiens sont capables de réaliser des broderies de haut niveau et d’atteindre un certain degré de perfection, ce qui n’est possible qu’avec des maîtres artisans qui travaillent dans ce domaine depuis des années.” Lorsqu’il s’agit de créer le type de couture dont rêve Mishra, il a besoin de maîtres artisans expérimentés. Son esthétique fait souvent la part belle à la broderie, mais cette approche n’est pas seulement esthétique : “Cela crée du travail“, dit-il, “et donc des gens sont payés“.
Pour lui, tout se résume à une simple question d’arithmétique : il cite l’exemple de la broderie à la machine qui produit l’équivalent de 50 heures de travail humain par rapport à la broderie à la main qui pourrait produire 5 000 heures de travail humain. Les articles artisanaux sont fabriqués avec un soin délibéré et leur prix est plus élevé. Le sari de Zendaya, qui, pour le créateur, était un “modèle relativement simple”, a nécessité 3 000 heures de travail, tandis que les pièces plus complexes peuvent nécessiter jusqu’à 5 000 heures, réparties sur une période allant de trois à six mois. En d’autres termes, il se fait le champion de la slow fashion, de l’emploi et de l’engagement.
Parfois, ce sentiment de responsabilité éclipse sa créativité, mais Mishra se dit prêt à renoncer à ses impulsions artistiques pour s’assurer que ses artisans ont suffisamment de travail pour rester employés. “Même si je veux faire une pièce simple et minimaliste, des vêtements simples – une esthétique que j’aime beaucoup, soit dit en passant – je ne peux pas, parce que je suis responsable de l’emploi de toutes ces personnes“, explique le créateur. “Le design doit susciter la participation et l’engagement pendant une période prolongée.”
Il peut sembler simpliste d’attribuer ce sens des responsabilités à son enfance, mais les preuves sont nombreuses. Mishra a passé les dix premières années de sa vie à Malhausi, un petit village près de la ville de Kanpur, dans l’Uttar Pradesh. Il décrit ses débuts extrêmement modestes comme une période de difficultés, de beauté et de liberté. “J’ai eu une enfance difficile dans le sens où je n’avais pas de jouets, pas de nouveaux vêtements – tout était transmis – mais c’était la plus belle période de ma vie, parce que je pouvais faire tout ce que je voulais“, explique le créateur, qui se souvient des moments qu’il passait dans la nature et se perdait dans son imagination. “Je jouais dans le jardin et créais mes propres personnages et scénarios ; c’était aussi une période où je faisais l’expérience de la pureté et de la beauté de la nature“. La nature et la spiritualité sont les principales sources d’inspiration de Mishra. Sa collection Cosmos, conçue après un voyage aux Maldives et basée sur la phrase sanskrite aham brahamasmi, qui peut être interprétée comme “Je suis le cosmos”, illustre l’inspiration du créateur à travers des motifs célestes et aquatiques travaillés de manière complexe. La collection Tree of Life présente des feuilles, des pétales et d’autres motifs végétaux ornés et lourdement sculptés, inspirés spécifiquement par un rituel dont il a été témoin dans son village lorsqu’il était enfant : le créateur passait beaucoup de temps avec sa grand-mère qui, chaque été, l’emmenait nouer un fil autour d’un banyan pour la longévité et d’autres raisons de bon augure. “Avec ce que nous faisons subir à notre planète en ce moment, nous devrions vraiment vénérer les arbres et la nature“, réfléchit Mishra. “Ce sont eux les véritables divinités.”
L’éducation de Mishra et l’influence de sa grand-mère sont encore présentes dans son esprit. Enfant, son seul “jouet” était le charkha de sa grand-mère, un rouet de plus de deux mètres de haut. Sa grand-mère est née dans les années 1930 et a grandi à une époque où les principes gandhiens étaient fortement défendus en Inde. L’autosuffisance et l’autonomie étaient des concepts impératifs pour le développement d’une nation sur le point d’accéder à l’indépendance ; la grand-mère de Mishra donnait son tissu au tailleur local et portait ce qu’il fabriquait avec. “C’était un magnifique système de troc“, explique Mishra. Mishra tente de mettre en place un système qui permette à ses artisans de conserver leurs moyens de subsistance et de contribuer à la relance des économies rurales. Pendant la pandémie, de nombreux artisans se sont retrouvés sans travail et sont retournés dans leurs villages. Mishra a commencé à employer certains d’entre eux, mais leur a permis de travailler depuis leur village. Ils peuvent ainsi dépenser l’argent qu’ils gagnent dans leur propre village, contribuant ainsi au développement d’autres entreprises locales. “En fin de compte, il faut que les gens soient payés et qu’ils aient un emploi. Il vaut mieux qu’ils reçoivent cet argent dans leur propre village plutôt que dans une ville coûteuse“, déclare le designer.
Il tient également à défendre les valeurs de durabilité et d’autonomie de Gandhi : le leader des droits civiques préconisait d’acheter des articles “fabriqués en Inde”. Dans le monde de la haute couture, Mishra s’efforce de changer la perception de ce label qui, selon lui, est toujours considéré comme inférieur, bien que les techniques de fabrication et de conception indiennes soient largement utilisées dans l’ensemble de l’industrie. Le “Made in France” ou le “Made in Italy” sont toujours considérés comme supérieurs”, déclare-t-il. Son propre succès mondial est un pas vers la correction de cette idée fausse, et il est reconnaissant que d’autres grandes maisons commencent à reconnaître la valeur des créateurs de son pays. “Lorsque vous reconnaissez que le travail est fait en Inde, vous reconnaissez les artisans et les travailleurs dont vous êtes responsable. Je suis reconnaissant à Dior de penser de cette manière et de le reconnaître“.
Dior, ainsi que d’autres maisons de couture telles que Chanel, utilisent des broderies et des techniques artisanales indiennes dans leurs créations, notamment lors du défilé historique de Dior qui s’est déroulé à la Porte de l’Inde en avril, lorsque la directrice de la création Maria Grazia Chiuri a célébré la relation de longue date de la maison avec l’école d’artisanat Chanakya, rendant ainsi hommage à la contribution du sous-continent à la mode internationale.
L’ouverture glamour du NMACC qui a suivi a permis une appropriation culturelle des arts et de la culture indiens, qu’ils soient historiques et traditionnels ou plus contemporains, issus de ces traditions, afin qu’ils puissent s’épanouir dans un espace construit pour eux. La présentation d’ouverture du centre est une exposition, India in Fashion, organisée par Hamish Bowles, rédacteur en chef de Condé Nast, qui retrace l’impact du pays sur la mode occidentale et témoigne de la reconnaissance mondiale de la créativité indienne. L’exposition présente les œuvres de créateurs indiens renommés tels que Sabyasachi Mukherjee, Anita Dongre, Abu Jani et Sandeep Khosla, qui perpétuent tous les traditions artisanales. Dans cet océan de talents, Mishra a attiré l’attention du monde entier parce qu’il va au-delà des attentes culturelles mondiales et locales en créant le type de vêtements qu’il fait – des pièces d’art – qui ont un attrait universel. Si l’on ajoute à cela sa connaissance et son application expérimentale de la broderie sur différents textiles, tels que la laine, de manière originale et souvent inattendue, il n’est pas étonnant que son travail se démarque. C’est aussi l’une des raisons pour lesquelles il a remporté le prix international Woolmark en 2014, un tournant important dans la carrière du designer.
L’exposition du NMACC comprend quatre pièces récentes de Mishra, dont une spécialement commandée pour l’événement – une robe en chintz brodée à la main – qui sont autant d’exemples de la manière dont il valorise les pratiques traditionnelles et les propulse dans l’ère contemporaine actuelle. En fait, l’exposition commence par un ensemble d’Alexander McQueen inspiré des méduses, dont les détails rappellent les ailes de scarabée irisées utilisées dans les broderies mogholes du XVe siècle, et se termine par une méduse dramatique, ornée et complexe de Mishra, issue de sa collection Cosmos. C’est cette pièce, et étonnamment pas le sari révolutionnaire de Zendaya, qui figure parmi les créations préférées du créateur. Cette tenue, qui a nécessité plus de 5 000 heures de travail, reflète la conviction profonde de Mishra de valoriser les processus. “Regardez tout le travail qu’il a nécessité“, explique-t-il, citant les heures de travail, les broderies lourdes et le travail artisanal complexe. “La lenteur du processus en devient d’autant plus puissante“.
Et si son processus est peut-être lent, sa trajectoire vers la célébrité du design semble s’accélérer. Mishra ne s’inquiète pas du fait que sa reconnaissance soit relativement récente. “Cela signifie simplement que le travail que je fais actuellement est le meilleur. Cela signifie que nous nous développons“. Après tout, ce qu’il crée est bien plus qu’un simple vêtement. “Je considère la mode comme un art et les vêtements comme une toile sur laquelle je peux dessiner, créer, broder et réfléchir. Nous créons de l’art.”